Das James Blakes gleichnamiges Debütalbum eines der Alben des Jahres 2011 ist wurde bereits 2010 entschieden. Die soundof 2011 Umfrage des BBC stellte James Blake auf den zweiten Platz der wichtigsten Alben des kommenden Jahres und auch die wenigsten Kritiker scheuten sich, dieses Album bereits vor dem Hören in den höchsten Tönen zu loben. James Blake ist ein Vorreiter. Er wird gelobt, bevor überhaupt ein Album erscheint, er wird von Millionen Menschen gehört, lange bevor eine Mainstreamdebatte aufkommen kann, machte somit den Post-Dupstep salonfähig und den Avantgardismus massentauglich - und das ohne sich oder die Musik zu verraten. Aber wie schaffte er das, ein 22-jähriger Londoner mit klassischer Klavierausbildung und abgebrochenem Studium? Hauptsächlich wohl durch die Stille und den Bass. Die stärksten Momente auf seinem Album sind die Pausen, dramaturgisch perfekt gesetzt: die Ruhe vor oder nach dem Sturm. Und auch die Körperlichkeit seiner Musik, beinahe alle Songs sind mit einem schweren Bass unterlegt, der durch den gesamten Körper dringt. Wenn Blake ein Livekonzert gibt, fällt zuweilen sogar sein Mikrophonständer um, weil er dem Bass nicht standhält. Aber das sind nur die Eckpfeiler seiner Musik. Dazwischen sammelt Blake verschiedenste Einflüsse und bringt sie mit düsteren elektronischen Klängen zusammen. Somit überzeugt sein Album mit einer ruhigen Experimentierfreude, die Songs schafft, die tief in den Körper und den Kopf dringen. (Lasse Scheiba) 

Dieser Mann wird immer besser, je länger er im Geschäft ist. Was sich schon auf "The Sparrow & The Crow" andeutete, wurde mit "Gold In The Shadow" manifestiert: William Fitzsimmons ist auf dem besten Weg, unverzichtbar zu werden für musikliebhabende Leute. Dabei bleibt er in seinem Stil verhaftet, er bewegt sich nicht weit nach links und rechts, mischt seiner wunderbar weichen Stimme lediglich ein etwas größeres Instrumentarium bei als auf dem Vorgänger, bei "Psychasthenia" sogar sanft pluckernde Elektrobeats und flächigen, sphärischen Synthiesound, aber das steht ihm auch. Das Songwriting schaut aber tatsächlich nun auch mehr auf das schöne Lied als auf das simple Darbringen innerer Befindlichkeiten, und so kommt es, dass man nun wesentlich mehr Stücke von ihm findet - allen voran das für seine Verhältnisse beinahe schon hüpfende "The Winter From Her Leaving" - die einem nicht nur wegen der wunderschönen Texte nicht mehr aus dem Kopf gehen. Zweifelsohne wird von ihm noch viel zu erwarten sein dürfen; bei uns bedeutet das einen starken Platz 9. (Kristof Beuthner) 

In Zeiten globaler Akzeleration ist auf die Bremse treten hipper, als das Mitspamen im 2.0er- Informations-Overkill. Ein Trend der sich im vergangenen Jahr vor allem auch in musikalischer Hinsicht abzeichnete. Neben dem Slow-Mo-Senkrecht-Starter James Blake machte sich auch Bon Iver  aka Justin Vernon, der schon seit der Mitte der 0er Jahre mit seiner Kopfstimme die Langsamkeit proklamiert, auf einen weltweiten Siegeszug. Und das vollkommen zu recht. Vernon, der Mann, der sich einst für sein Debut in eine Blockhütte zurückzog, und damit den amerikanischen Mythos der sich selbstgenügenden Waltons-Family neu befeuerte, instrumentiert seine Lieder dato opulent. Minimale Songs wie ‚Skinny Love‘ weichen einer flächigen, mehrstimmigen Räumlichkeit, mit breiten Soundscapes (siehe bspw. das Ende des Openers ‚Perth‘). Claps, Bläser, leichte Übersteuerungen, perkussive Elemente und das altbekannten Falsett sind selbstverständlich nachwievor fixe Punkte im Bon Iver-Klang-Kosmos. Allerdings steigert Vernon die Songs aktuell in sphärische, turmhohe Gebilde und lässt auch alles mit gleichem Enthusiasmus immer wieder komplett zusammenbrechen. Doch bevor das hier zu viel Fahrt aufnimmt: es bleibt natürlich im Ganzen ruhig und ‚Bon Iver‘ beseelt uns mit zur Musik gewordenen Introspektiven. Vernon hat es 2011 verdeutlicht: „wer bremst, verliert“, stimmt einfach nicht mehr! (Thomas Markus) 

Eine Band verlässt den stilsicheren Heimathafen (Woodsist Records) um auf neuer Labelheimat (Domino) das Glück zu suchen. Mit Spannung erwartet wird in solch einem Falle stets, doch können die Protagonisten ihren Wurzeln treu bleiben ohne zu stagnieren? Im Falle von Real Estate gibt es dafür ein himmelhochjauchzendes ja! Das Trio aus New Jersey schenkte uns mit „Days“ eine schwelgerische Ode an den Sommer der kein richtiger war. Geradezu nostalgisch anwirkend, stricken sich die 10 neuen Songs aneinander und bilden vermengt mit Sänger Martin Courtneys sehnsüchtigen Vokalen ein zeitloses Klangwerk anno 196X. Im Gegensatz zu den heimischen Aufnahmen ihres selbstbetitelten, ebenfalls großartigen, Vorgängers, präsentiert sich ihr melodiöser Psych-Pop hier zugänglicher ohne zu verstumpfen. Aneinander vorbei greifende Gitarrenrhythmen suggerieren kosmische Harmonie und dezente Drums mischen sich nachgiebig ins Getümmel. Hie und da wird ein Schellenkranz zum Momentum. Allgegenwärtig liegt immerzu die leichte, doch melancholische Grundstimmung, welche sich in Abhandlungen über das Treiben in der Vorstadt, Straßenromantik und Reminiszenz wiederfindet. Egal ob live oder auf Platte, lang nicht mehr war Mitsummen und -stimmen so schön wie zu „Days“. (Tariq Bajwa)  

Was für ein Jahr für die Romantik. Und was für ein Jahr für The Pains Of Being Pure At Heart. Die alles richtig gemacht haben mit ihrem zweiten Album "Belong" und sich entfernt haben aus dem Schatten der übermächtigen Belle & Sebastian, in dem ihr Debütalbum vor zwei Jahren noch gestanden hatte. Methadon, hatte man gesagt. Lückenfüller. Auf "Belong" war nichts mehr davon zu spüren. Und Kritiker wie Fans liebten es nicht grundlos: um ein Vielfaches verbessertes Songwriting, mehr "Rock" und mehr Druck, das war die Devise. Die Folge: ein ganzes Album voller Hits; ein selten brillantes Gesamtwerk ohne Schwachstellen. Der Titelsong; "Heart In Your Heartbreak"; "Even In Dreams" - und die Single "Say No To Love" war nicht einmal zu hören auf "Belong". Sie alle schafften es in Herz und Beine, in Sonnenuntergänge und Autos, in Gehörgänge und große Momente. Dazu: Kip Bearmans butterweiche Stimme, die immer noch an Stuart Murdoch erinnert, ihn aber mittlerweile phasenweise sogar vergessen lässt. Bleibt sich gehörig auf Album 3 zu freuen. Irgendwann. Noch haben wir nicht genug von "Belong". (Kristof Beuthner) 

Das Musik keinen Gesang braucht, um gut zu sein, ist ungefähr der älteste Hut der Musikhistorie. Das es Instrumentalbands fernab der Elektronikerzunft aber gelingt, große Massen zu ziehen, kommt so häufig nicht vor. Genau so selten ist es, dass der Witz von großen Soundwänden und Freude am Wohlklang im Lärm nicht schon nach ein, zwei Alben erzählt ist. Mogwai machen das nun schon seit Jahren so und gehen dabei auch noch konsequent immer ein Schrittchen weiter nach vorne. Das brillant betitelte "Hardcore Will Never Die, But You Will" ließ aber nicht nur in dieser Hinsicht aufhorchen, denn es ist sicherlich unterm Strich auch die eingängigste Mogwai-Platte. Aufwartend aber dafür mit Ungetümen von Stücken wie dem wuchtigen "Rano Pano" (vielleicht eine Reminiszenz an Cans legendäres "Tago Mago"?), das den Atem stocken lässt, und wenn man's dann auch noch entsprechend laut machte, war's eh um einen geschehen. Man konnte, wenn man Kraut- und Postrock liebte, nicht vorbei an dieser Platte - und sie gewann dem Genre etliche Liebhaber dazu. (Kristof Beuthner) 

Mein eigenes Metronomy-Erlebnis war gar nicht so glorreich im vergangenen Jahr. Ich erinnere mich nur an viele Ellenbogen in meinem Gesicht während der Appletreegarden-Show, die mich frustriert aufgeben ließen. Lieber näherte ich mich der Band über das Album "The English Riviera", dem dritten Album der Band, und ihrem Durchbruch. Jawohl, Durchbruch - denn spätestens nun sollte man sie wohl auf dem Zettel haben, diese Herzensdiebe, die ein mächtig charmantes Album zwischen Cleverpop, Funk, Jazz, Soul und whatever noch aufgenommen haben, das sich förmlich aufdrängt in  seiner Entspanntheit. Weil es die Hängematten aufspannt, den Lieblingsdrink in deiner Hand platziert und durch die Kopfhörer pures Wohlbefinden in deinen Kopf schiebt. Nun ist es gut gewesen, denkst du mit einem Lächeln zum Sound von Songs von "The Bay", nun mach ich erstmal frei. Von allem Bösen. Musik ist gut. Musik ist Metronomy. Dieses Album ist pure Freude. (Kristof Beuthner) 

Bodi Bill hat mit dem diesjährigen Album What? die fast dreijährige Albumpause - Das “Best- Of-Album” Two in One sei an dieser Stelle mal nicht mitgezählt - mehr als würdig beendet und präsentieren damit endlich wieder neue Songs. Das aktuelle Werk vom bewährten Label Sinnbus knüpft an dem bekannten Stil an und zeigt trotzdem eine spürbare Weiterentwicklung der drei Berliner. Es ist deutlich vielfältiger, an vielen Stellen weniger elektronisch und in jedem Fall sehr kurzweilig. Scheinbar eine gute Mischung um sich den Weg zu einem breiteren Publikum zu bahnen. Man muss schon tief geschlafen haben, um dieses Jahr nichts von Bodi Bill mitbekommen zu haben. Auch live zeigt sich, dass das Trio in den vergangenen Jahren nicht Däumchen gedreht hat. Eine hohe Festivalpräsenz in diesem Jahr, ein extrem ausgefeilte Bühnenshow und zwei wunderbare Videos zu den Songs “Brand New Carpet” und “What” unterstreichen den verdienten Platz 3 unserer Jahrescharts. (Stefan Kracht) 

Sogar mit dem sperrigen Titel "DMD KIU LIDT" (Die Manifestation des Kapitalismus in unserem Leben ist die Traurigkeit) kommen Ja, Panik fast bis ganz nach oben in den Nillson Jahrescharts. Schon der Fakt, dass sie sich stetig in den Nillson Bestenlisten verbessern, lässt es erahnen: Ihre Musik entwickelt sich weiter, und zwar zum Guten! Die schnellen Rocksongs sind gewichen, der Sound ist aufs Wesentliche reduziert und das Tempo wurde gedrosselt. Sprachlich aber wird es komplex und sperrig in einem wunderschönen deutsch-englisch Mix. Jedoch wirkt diese Mischung anfangs eher befremdlich, ehe man anfängt sie zu begreifen. Und in genau diesem Moment begeistert DMD KIU LIDT und lässt einen nicht mehr los. Nicht nur ein großartiger Titel, sondern auch eine wundervolle Platte! Für mich die Beste des letzten Jahres! (Richard Redweik) 

Es überrascht vielleicht auf den ersten Blick ein bißchen, warum es dieser schmächtige Typ geworden ist, unsere Nummer eins, mit diesem unprätentiösen Album namens "Wir können nix dafür". Ist es vielleicht die Tatsache, dass uns der Moritz, seit Gisbert zu Knyphausen 2008 beim Dockville sein "Mitbewohnerin" coverte, nicht mehr aus dem Kopf gegangen ist; wir diese Platte förmlich haben entstehen sehen, uns hochziehend an Schnipseln, Gratis-Songs und EPs, die wir irgendwo im Netz entdeckt hatten und uns immer mehr darauf freuten, uns das ins Regal zu stellen? Ist es, weil wir nicht ein bißchen stutzig wurden, als der plötzlich über Rotz in der Nase sang, weil es, eingebettet in ein Ständchen an die Nichte, so wahrhaftig und innig klang wie eine gestammelte Liebeserklärung? Vielleicht kommen wir der Sache tatsächlich dadurch näher. Moritz Krämer, das ist irgendwie ein Stück von uns allen. Er sagt Sachen aus unserer Gedanken- und Erlebniswelt so, wie wir das vermutlich nie könnten, und ohne jegliches Pathos. Manchmal wirkt er, als wüsste er das und als wäre ihm das sogar peinlich. Und wenn wir uns das vergegenwärtigen, dass dieser Junge so viel seit Jahren in uns richtig macht - dann, ja dann ist seine Platzierung an der Pole Position tatsächlich nichts anderes als konsequent und ein dickes fettes Dankeschön von uns an seine Kunst. (Kristof Beuthner)