Nun sind wir schon so lange dran an Arkadiusz Glensk, der uns unter dem Namen Fismoll seit mittlerweile zwei Longplayern so stark begeistert, doch auch 2015 war es noch nichts mit einer Deutschland-Tour. Bleibt die Hoffnung auf 2016 – und bis dahin mit „Box Of Feathers“ wieder ein fragil-formschönes Songwriter-Album, das internationale Konkurrenz keineswegs zu scheuen braucht und mit Größen wie Bon Iver oder dem an dieser Stelle später noch besprochenen Sufjan Stevens durchaus mithalten kann. Nächstes Jahr wird dein Jahr und wir sind mit dir.

Noch immer warten wir ungeduldig auf das dritte Album von The xx. Dass deren Sound-Mastermind Jamie xx 2015 endlich sein erstes Solowerk am Start hatte, soll angeblich nicht zur Verlängerung der Wartezeit beitragen. Top! Nehmen wir das also auch mit. „In Colour“, das mit etlichen Kollaborationen aufwartet, zeigt Jamies großes Talent als Producer hochklassiger elektronischer Musik, hat einen ungeheuer mitreißenden Flow und läuft redaktionsintern immer noch auf heavy rotation. Spätestens jetzt versteht man, warum Indie-Größen bei dem Herrn für Remixes Schlange stehen.

Der Komponist Max Richter zieht den Löwenanteil deiner Energie und Inspiration nicht nur aus der Stille und Dunkelheit der Nacht, sondern auch aus dem Schlaf selbst. Sein Mammutwerk „SLEEP“ dauert acht Stunden, denen man gar nicht zwingend lauschend, sondern tatsächlich schlafend folgen sollte. Er ließ es in Berlin uraufführen, die Zuschauer bekamen Betten hingestellt. Am Erscheinungstag streamte er es in voller Länge und ließ die Hörer ihre Träume und Erfahrungen viral streuen. Ein riesengroßes, interaktives Projekt – dazu noch wundervolle Musik für Klavier, Streicher und Chor. 

Was darf man von einem Album erwarten, das „Teenage Movie Soundtrack“ heißt? Nee, klar, sicherlich keinen fein ziselierten Artpop. Statt dessen: Gitarrenbrett, College-Slackerpop, 90er-referenzielle Roughness und Texte über Mädchen, Alkohol und zu-früh-Kommen und das sich-dafür-schämen. Heyrocco nehmen sich nicht zu ernst, spielen ihre Rollen aber perfekt und wirkten mit dieser Ansammlung von Hits auf angenehm-alberne Weise aus der Zeit gefallen. Unvergessen die Show beim Reeperbahn-Festival, an deren Ende der Sänger nackt war und seine Gitarre vögelte.

Seit einigen Jahren ist im Metal etwas im Gange. Die Szene bewegt sich in ihren Nischen heraus aus der schwarzbehosten und kuttentragenden Phalanx der Erbverwalter und Bands wie Deafheaven oder eben Liturgy werden auch in Indie-Kreisen wieder verstärkt wahrgenommen. Was im Fall von „The Ark Work“ prima erklärbar ist: So vielschichtig und weitreichend beeinflusst hat man eine Metal-Scheibe selten gesehen. Da macht die Band um Hunter Hunt-Hendrix auch vor technoiden Beats, kruden Raps und sakralen Chören neben Dudelsack und Glockenspiel nicht Halt.

Der Wahl-Isländer John Grant gehört zu den sicherlich sympathischsten Künstlern des altenativen Pop: Nimmt sich selbst nicht zu ernst, tanzt dazu mit Bauch und Bart reichlich filigran auf dem dünnen Seil zwischen Folk und Elektropop. Hat auf zwei Alben vorher schon trefflich funktioniert; erlangt auf „Grey Tickles, Black Pressure“ nun einen vorläufigen Höhepunkt. Viel Humor, einiges an Pathos, mit Amanda Palmer und Tracey Thorn auch durchaus prominente Gäste: Wäre alles schön und gut, wenn John Grant nicht dazu auch noch so ein formidabler Songwriter wäre.

Nathan Amundson und die Traurigkeit: Das zunächst vinyl-only veröffentlichte „I Remember Everything“ war ein Musik gewordener, wehmütig-melancholischer Blick aus dem Fenster in eine graue, von Regenschleiern verwehte Landschaftstristesse; ein stoisch-lethargischer Americana-Traum, der sich nicht nur durch das Herzstück der Platte, das knapp acht Minuten lange „Ride On, Molina“ vor den unvergessenen Songs:Ohia verneigte. Dazu: Trauerperlen wie „Summer Rain“ oder „I Still Remember“, die wie eine tröstende Hand auf der Schulter waren. Es wird zwar nicht alles wieder gut, aber wenigstens sind wir damit nicht alleine.

Ich finde das immer wieder verblüffend, wie verschieden ehemalige gemeinsame Bandmitglieder sich auseinander entwickeln können. Wo Aereogrammes Craig B nach The Unwinding Hours mit A Mote Of Dust wieder ein wundervoll verschrobenes Minimalpop-Album aufgenommen hat, fahren seine Ex-Mitstreiter mit ihrem Projekt CHVRCHES nach wie vor beeindruckend straight auf der Elektropop-Schiene. Und vor allem verdammt erfolgreich. „Every Open Eye“ hievte die Band in die EDM-Bundesliga. Pop-Aficionados und Indie-Tanzwütige jubilierten gleichermaßen. Ein tolles Album.

Olafur Arnalds ist ein Alleskönner. Er ist nicht nur einer der tollsten zeitgenössischen neoklassischen Komponisten und geschätzter Nils-Frahm-Buddy (das gemeinsame Album „Collaborative Works“ gehört ebenfalls zu den Jahreshighlights). Zusammen mit dem Färinger Janus Rasmusson (of-Bloodgroup-fame) hat er unter dem Namen Kiasmos ein ständig flirrendes, mäanderndes, treibendes und gleichzeitig entspanntes Elektronik-Album veröffentlicht, das Rasmussons Techno-Liebe und Arnalds‘ Gespür für feingliedrige Klaviermelancholie vereinte.

Ein gutes Jahr für spanische Bands: Wo Toundra mit ihrem Postrock-Meisterwerk „IV“ abermals Maßstäbe setzten, stammte eines der spannendsten Post-Hardcore Alben von Viva Belgrado aus Cordoba. Spanischsprachigen Hardcore hört man ja tatsächlich eher selten, und auch, wenn das abgegriffen klingt: Man braucht eigentlich auch hier nicht wirklich ein Wort verstehen, um all die genretypische Wut und Verzweiflung zu begreifen. Die deutlich hörbaren Postrock-Einflüsse tun ihr übriges, um „Flores, Carne“ zu einer der spannendsten Entdeckungen des Jahres zu deklarieren.

Da waren nicht wenige erstmal von den Socken: Das neue Album der Postrock-Granden kam mit einer Spielzeit von 40 Minuten aus und klang deutlich zugänglicher als alles, was man von Godspeed You! Black Emperor vorher kannte. Aber „Asunder, Sweet And Other Distress“ ist auch mit Sicherheit das konzentrierteste (im Sinne von: fokussierteste) Album der Band aus Montreal. Ambient-Flächen werden immer wieder von Noise-Ausbrüchen aufgespalten, der Sound türmt sich mächtig auf und schafft Momente purer energetischer Exhalation. Kurzum: Postrock at it’s best.

Worauf Verlass ist: Dass Knarf Rellöm sich für sein neues Album wieder anders nennt, dieses Mal also A Tribe Called Knarf. Dass die Platte nur vordergründig dadaistisch klingt und wieder vor Bissigkeit und Feinbeobachtungen nur so strotzt. Dass das Ganze unheimlich viel Spaß macht. Dass das wieder nichts für jeden ist. Dass das Knarf Rellöm ziemlich egal ist. Sagen wir’s, wie es ist: „Es ist die Wahrheit, obwohl es nie passierte“ markierte ein herrliches Wiedersehen mit Hamburgs schönstem Verschrobenheitspopulärmusiker. Das möchten wir gerne noch ganz oft so erleben.

Man kann das so sagen: 2015 war das Jahr von Eleni Zafiriadou und Daniel Benjamin alias Sea + Air. Ihr zweites Album „Evropi“ erschien beim Herzenslabel Glitterhouse, die Streuweite war enorm. Sämtliche geschmackssichere Medien rissen sich um das Ehepaar, es hagelte positive Kritiken von überall. Warum? Weil man an dem Mix aus eher traditionellen Folk-Balladen und von exotischen Instrumenten und Rembetiko-Referenzen getragenen Experimental-Pop-Stücken nur ganz schwer vorbei gehen konnte, ohne nicht mindestens zu staunen. Großes Kino, große Popmusik.

Das hatten wir lange nicht in einer Nillson-Abschlussliste: Eine junge Band aus Großbritannien, die vom NME mal wieder als Next Big Thing gehypt wird und unseren kritischen und ungläubigen Blicken trotzdem mit Bravour standhält. Natürlich ist nichts von dem, was Circa Waves aus Liverpool machen, wirklich neu oder innovativ, aber die Energie, mit der die Band Superhits wie „T-Shirt-Weather“ raushaut, kann einen nicht kalt lassen. Ein Album zwischen Surf- und Brit-Power-Pop, das ungeheuerlich viel Spaß machte und randvoll gespickt war mit Hits, Hits und Hits.

Sich einem neuen Album von Noel Gallagher rein objektiv zu nähern, ist freilich schwer. Oasis-Fans verfolgen eh mit Spannung alles, was aus den Trümmern der streitlustigen Band neues zu Tage geführt wird; andere sind schon von vornherein genervt von all dem großmäuligen Talk, der damit einher geht. Aber völlig außer Frage steht, dass Noel Gallagher damals bei Oasis die treibende Kraft im Songwriting war und nichts verlernt hat. „Chasing Yesterday“ ist vielleicht keine innovative Offenbarung, aber zeigt in gewohnt großer Klasse das, was Noel Gallagher eben neben Schimpfen am besten kann.

Wer 2015 wissen wollte, wie stilsicherer und facettenreicher Indiepop in seiner schönsten Form klingen kann, konnte an „Love Songs For Robots“ des zuvor unter anderem für seine Kollaborationen mit The Cinematic Orchestra bekannten Patrick Watson eigentlich nicht vorbeischauen. Zwischen Psychedelia und Folkpop fand sich ein so einnehmender Reigen großartiger Melodien, dass es schier unmöglich war, nicht zu lächeln. Entspannt, unaufgeregt, melancholisch, trotzdem mitreißend: Das hat Patrick Watson, das eigentlich eine Band ist, richtig gut gemacht.

Nein, ein wirkliches Ereignis war die Reunion einer der wichtigsten Indiebands der 00er Jahre dann im Endeffekt auch wieder nicht. Pete Doherty und Carl Barât endlich wieder vereint: Wer hat davon nicht geträumt? Als es dann doch soweit war, wirkte es, als wären die zwei auch gar nicht richtig weg gewesen in dieser Konstellation. Songs wie die Single „Gunga Din“ konnten immer noch alle anderen an die Wand spielen und auch wenn sie wie selbstgewünscht nicht einfach den Sound ihrer beiden herausragenden Alben kopierten, war „Anthems For Doomed Youth“ doch durch und durch eine Libertines-Platte. Ein feines Wiedersehen.

Konsensplatte, Meisterwerk, Meilenstein, Überflieger: Die Superlative für Kendrick Lamars „To Pimp A Butterfly“ hätten größer kaum ausfallen können. Endlich wieder eine Hiphop-Platte, die nicht einfach nur bekannte Genrezutaten wiederkäut und dabei sogar noch gleichermaßen Szenemenschen wie Pop-Publikum und sogar den ewig skeptelnden Indie abholt. Kann das gehen? Kann es. Was Kamasi Washington 2015 für den Jazz war, war Kendrick Lamar für den Hiphop: Eine Frischzellenkur voller toller Ideen und Einflüsse, auf die man sich problemlos einigen konnte, ohne dass es der kleinste gemeinsame Nenner gewesen wäre. Das ist aller Ehren wert.

Nach fünf Jahren Vorbereitungszeit erschien endlich das Debüt von Klez.e-Tobias Sieberts Solo-Kunstprojekt. Live spielte er seine ersten Konzerte mit Grammophon und Rotweinglas. Vom Plattenteller: Die Backing-Band, die er selber war. Alle Instrumente spielte Siebert selbst ein und ließ sie sich auf Vinyl pressen. Was schon als Projekt an sich unheimlich interessant war, klang im Ergebnis wie ein kunstvoll-kathartischer Mix aus Get Well Soon-Dramatik und in sepia getauchtem Indie-Gospel. Ein wundervoll-waidwundes Album, das immer noch nachstrahlt.

Der Hype um die Sleaford Mods ging so schnell und unerwartet los, dass man ihn eigentlich erst auf Höhe des zweiten Albums „Key Markets“ so richtig auf der Höhe befand. Nur ein Jahr nach dem Debüt ließ das Duo die zweite Schimpfkanonade auf die Gesellschaft los: Bewaffnet mit einem Drumcomputer und gepfeffertem Piratenvokabular klatschten uns Jason Williamson und Andrew Fearn eine Ohrfeige nach der anderen, und selten hat sich das so korrekt angefühlt. Eine volle Breitseite für die Wichtigen Britanniens und ein Sprachrohr für den wütend-machtlosen Bodensatz der Bevölkerung.