„Allet wird verkabelt, und dann wird ne Session jemacht, einstündig wird aufjenommen und am Ende hat man denn den Magic-Loop jefunden in Form einer Baseline,“ so beschreibt Sebastian Szary im breiten Berlinerisch eine der Produktionsvarianten von Moderat, des gemeinsamen Projekts mit Sascha Ring von Apparat. Mit „II“ erschien in diesem Jahr deren zweites Album. Gleich die erste Singleauskopplung ‚Bad Kingdom‘ knarzt mit deepen Modeselektor-Loops direkt in die Bresche zwischen ‚A New Error‘ und ‚Les Grand Marches‘ vom 2009er Debut. Die Tunes haben sich in den letzten Jahren nicht nur in die Gehörgänge einer wachsenden Hörerschaft gefräst, sondern auch in die von u.a. Thom York, Björk und Miss Kittin. Auch Moderat lassen die Bässe durchaus hart rollen, jedoch in einer doch tief-sphärischen Spielart, die nicht primär auf das reine Durchdreh-Vergnügen aus ist. Dieser Grundtenor hat sich nicht zuletzt durch den beseelten Gesang von Herrn Ring manifestiert. Kompakter und deeper morphen Moderat hin zu einem eher cineastischen Sound, der seine Verankerung in der Tanzfläche jedoch nicht verliert. Tunes wie ‚Therapy‘ oder ‚Milk‘ wummerten 2013 kraftvoll und dabei smart und gänzlich unprollig durch die Clubs. Das schießt ‚II‘ verdientermaßen in die Top 10 für 2013. (Thomas Markus)

Was für ein tolles Album, was für eine spannende Musik die bayerischen Joasihno da tatsächlich aufgenommen hatten, erschloss sich mir persönlich eigentlich erst beim Live-Erlebnis so richtig, obwohl ich "A Lie" schon vorher ins Herz geschlossen hatte. Christoph Beck und Nico Sierig stehen an einem schier waghalsigen Repertoire an Schaltern, Reglern und Instrumenten, klingen erst wie eine abgespeckte, dann wie eine voll besetzte Version von Efterklang. Dann schleicht sich ein Beat in den Hintergrund, dann setzt der Gesang ein, irgendwie geht das alles zu schnell, um all die Feinheiten zu erfassen, könnt ihr nicht zurückspulen? Ich will das nochmal hören! Elegische Soundtürme, feingliedrige Frickelei, hallo, The Notwist, hallo, Christoph Becks Nachnamensvetter aus den Staaten? Im ersten Moment ist es so, im nächsten ganz anders, man will schwelgen, tanzen, sich wundern, alles zugleich. Und plötzlich schnippt irgendwer mit dem Finger und es ist ein Popsong draus geworden. Wenn man sich das jetzt auf Albumlänge vorstellt, diese Undefinierbarkeit der Genres, diesen Ideenreichtum, dieses Wechselbad der Gefühle und dann dazu auch noch diesen zwingenden Pop-Appeal, dann kann man nicht umhin, zu finden, dass "A Lie" seinen Platz in unseren Top 10 mehr als verdient hat. Und wenn man bedenkt, dass Cico Beck mit Aloa Input noch so ein irres Projekt am Start hat, darf man ihn definitiv als einen der derzeit spannendsten Künstler dieses Landes bezeichnen. (Kristof Beuthner)

To unlearn: Eine Gewohnheit ablegen; verlernen, vergessen. Wo manche mit Cover-Alben nur alten Wein in neuen Schläuchen präsentieren, erfindet Scott Matthew auch den Wein neu. In "Unlearned" kürzt er seine Lieblingssongs auf ihre Grundgerüste und schreibt ihnen neue leidenschaftliche Arrangements zu. Gemeinsam mit seinem Vater Ian singt er Kris Kristoffersens Klassiker "Help Me Make It Through The Night" in großer Tragik und Zerbrechlichkeit. Neil Hannon von The Divine Comedy unterstützt ihn beim traurig-fröhlichen "Smile" aus der Feder von Charlie Chaplin. Ansatz des Albums ist es nicht, Songs wie "Harvest Moon" von Neil Young und Joy Divisions "Love Will Tear Us Apart" besser machen zu wollen, sondern sie auf ein Podest zu heben und den Zuhörern aus einem anderen Winkel zu präsentieren – alte Songstrukturen auszublenden, den Songs neue Tiefe und Emotionalität zu geben. Whitney Houstons 80er-Jahre-Discohit "I Wanna Dance With Somebody" erstrahlt so als dramatische Ode an die Einsamkeit. "Unlearned" ist ein wertvolles Album, das herrlich unprätentios klingt. Es ist ein gemütliches und familiäres Album, das zeitgleich für die große Oper gemacht ist. Es ist ein ergreifendes Stück Musik einer faszinierenden Persönlichkeit. (Daniel Deppe)

Apologies, I Have None bedeutet übersetzt "Ich habe keine Entschuldigungen". Treffender kann ein Bandname in diesem Fall kaum sein, denn vorwerfen kann man dem Quartett aus der Themsestadt im Jahr 2013 wirklich nicht viel. Das nach ihrer Heimatstadt London benannte Album, das uns die 2004 von Frontmann Dan Bond und Gitarrist Josh McKenzie gegründete Folkpunkband mit einem Jahr Verspätung in die hiesigen Plattenläden gestellt hat, glänzt mit vielen Punkten auf der Habenseite. Dabei ist es auf dem ersten Blick ein stilistisch recht traditionelles Werk, das von der Herangehensweise an viele derjenigen Bands erinnert, die sich alljährlich auf der amerikanischen Bier- und Arbeiterpathos- geschwängerten Punkrockfestival-Institution "The Fest" in Gainesville / Florida die Klinke in die Hand geben. Ähnlich wie bei ihren ehemaligen Tourpartnern The Gaslight Anthem und Make Do And Mend treffen auch in den Songs von Apologies I Have None melodische Gitarrenriffs und eingestreute Tempowechsel auf wunderbare Momente zum gemeinschaftlichen Fäuste-in-den-Himmel-recken und Mitsingen, die jedem Pub- und Lagerfeuerabend zur Ehre gereichen würden. Nun stammt die Band nicht aus den kalifornischen Redwoods, sondern aus der englischen Millionenmetropole und so gänzlich lassen sich die Einflüsse aus heimatlichen Musikgefilden nebst Cockney-Akzent nun doch nicht ablegen. „Zum Glück!“ möchte man sagen. Denn gerade dieser „Alte Welt“- trifft-„Neue Welt“-Effekt, gepaart mit erfrischender Klarheit und Einfachheit bei qualitativer Konstanz machen "London" zu einem persönlichen Highlight des Musikjahres 2013. (Jan Bruns)

Nach einem etwas ruhigem Jahr 2012 sind Okkervil River mit einem neuen Langspieler bewaffnet zurück. Anders, aber dennoch nicht fremd klingt The Silver Gymnasium. Es thematisiert die Kindheit von Frontmann  Will Sheff in New Hampshire und beschreibt viele Facetten davon in Wort und Ton. Der Opener ist clever gewählt. Das rhytmische Piano-Intro bei It Was My Season bekommt sofort volle Aufmerksamkeit und mach das Drücken auf den Skip-Button quasi unmöglich. Das ganze mündet dann in einem folkigem Rückblick auf die gute alte Zeit, wobei die Instrumente nicht selten von der Grundstimmung der Texte abweichen. Die oft melancholischen Themen werden immer wieder von der Musik aufgefangen und so gut entschärft, dass es auch in den traurigsten Momenten einen optimistische Seite behält. Bei “Stay Young” wird  der Charme der achtziger Synthies mit Blasinstrumenten gepaart und so komisch diese Mischung ist, so gut klingt sie. Ein mehr als verdienter Einzug auf den einstelligen Plätzen unserer Jahrescharts. Um es in den reduzierten Worten einer eBay Bewertung zusammenzufassen: „Alles Top. Gerne Wieder!“ (Stefan Kracht)

Yoann Lemoine könnte ein Nachkomme Wagners sein. Auf jeden Fall präsentiert er sich und seine Musik so. Pathos und Pop, das hat lange niemand mehr so gekonnt verbunden, wie der aus Lyon stammende Videokünstler. In seinen Konzerten steht er unter riesigen Videoprojektionen (ein Kameraflug durch surreale architektonische Königreiche) und im Dunkel dahinter seine Musiker - mit Blasinstrumenten und Pauken. Der kleine Mann, der wohl auch Napoleons Nachkomme sein könnte, zieht alle Register einer großen Show: Lichteffekte, einstudierte Bewegungen, die an große politische Führer denken lassen und Klangarrangements, die, genauso wie sein ständiges Ab- und Zuwenden vom Publikum, eine Gratwanderung zwischen Verzicht und Verschwendung sind. Und auch seine Karriere ist eine Gratwanderung. Angefangen mit Videoclips für Popgrößen wie Moby, Rihanna und Lana Del Rey, war es nicht weit her mit einer eigenen Musikkarriere, vor allem mit so einer prägnanten Stimme. Trotzdem nutze er seine Kontakte zu den großen Plattenfirmen nicht und veröffentlichte seine erste EP „Iron“ bei dem Independent Label „Green United Music“. Plattencover und Videoclip entwarf er natürlich selbst und verkaufte den Song dann direkt an den meistbietenden Werbepartner: Der Song wurde die Trailermusik für Ubisofts neustes Konsolenhighlight. Marketing ist alles, das wusste schon Napoleon. (Lasse Scheiba)

Die Schritte, mit denen The Boxer Rebellion in die Bekanntheit vorstoßen, sind klein. Und doch sind sie da. Stetig den Stein höhlend wie der vielzitierte Tropfen, markierte  das vierte Album der Engländer einen weiteren Schritt hin zur Liebe und Hingabe der geneigten Hörerschaft, wie diese Band sie eigentlich schon seit dem grandiosen Debüt "Exits", spätestens aber seit dem Über-Album "Union" verdient hatte. "Promises" verband auf die eindringlichste Weise Elemente aus der vertrackt-lärmigen Frühphase der Band mit dem intensiven, mitreißenden Pop-Appeal des dritten Longplayers "The Cold Still". Aber um melancholischen Britpop-Epigonen wie den in ihrem Anfangsstadium gar nicht so weit entfernten Coldplay in die Beliebigkeit zu folgen, fehlt The Boxer Rebellion nach wie vor die Einfachheit. Nathan Nicholsons klare und einprägsame Stimme darf mit einem machen, was sie will, aber die Ecken und Kanten in dieser Musik stellen dir immer wieder ein Bein und lassen dich irritiert aufhorchen und genauer hinhören, statt dich dazu in die Kissen zu kuscheln. Und an Stücken wie dem verhuschten "Diamonds" und dem eingängigen "Always" konnte man einfach nicht vorbei gehen. Die hohe Platzierung in den Nillson-Jahrescharts beweist, dass The Boxer Rebellion angekommen sind, den Geheitipp-Status abgelegt haben und inzwischen ohne sich zu verbiegen oder anzubiedern die Gourmets und die Herzenshörer an einen Tisch bringen. Man darf sehr gespannt sein, was als nächstes kommt. (Kristof Beuthner)

Es wirkt zugegebenermaßen fast schon wie ein Automatismus, dass eine Platte auf der Moritz Krämer vertreten ist bei uns in den Jahrescharts landet. Aber Die Höchste Eisenbahn sind nicht (nur) Moritz Krämer und Schau in den Lauf Hase ist folglich auch keine Moritz Krämer Platte. Zumindest keine typische. Und genau das, was dieser Band die nötige Daseinsberechtigung gibt, verursachte bei mir persönlich leichte Startschwierigkeiten. Diese waren aber schnell überwunden und nach dem sprichwörtlichen warm werden wurde es auch nie wieder richtig kalt. Aber es kommt ja nicht selten vor, dass Musik erst beim zweiten oder dritten Anlauf zündet und dafür um so nachhaltiger im Musikgedächtnis verweilt. Die Konstellation der Bandmitglieder (Moritz Krämer, Tele Frontman Francesco Wilking, Tomte Drummer Max Schröder aka. Der Hund Marie und Felix Weigt dessen Bandprojekte diesen Rahmen hier sprengen würden) sorgt für eine unglaubliche Vielfalt, was diese Platte dann so angenehm kurzweilig macht. Die Texte reichen von ernst bis witzig über traurig und philosophisch, der Sound dazu meist poppig und immer eingängig. Ein wirklich gelungener Tonträger aus dem hoch geschätztem Hause Tapete Records. So schaffte es der späte Release in diesem Jahr noch alles zu überholen, was eigentlich schon längst gesetzt war. Links vorbei und direkt auf meinem persönlichen Platz 1. (Stefan Kracht)

Der zweite Platz geht völlig zu Recht an die isländische Post-Rock Band Sigur Rós, die in diesem Jahr ihr mittlerweile 7. Studioalbum, namens „Kveikur“ veröffentlicht hat. Egal ob live oder auf Platte, diese Band weiß einfach zu verzaubern. Mit ihren atmosphärischen, teils melancholischen Tönen, bauen sich gewaltige Klanglandschaften auf, die den Zuhörer in ihren Bann ziehen und mit auf eine musikalische Reise nehmen. Anders als man es von den Vorgängern gewohnt ist, kommt „Kveikur“ aggressiver und düsterer daher. Gleich beim ersten Titel, der zugleich ersten Singleauskopplung „Brennistein“, ist die musikalische Veränderung hörbar. Im Übrigen ist es das erste Album ohne Keyboarder Kjartan „Kjarri“ Sveinsson seit ihrem Debütalbum „Von“. Nach seinem Ausstieg war die Band rund um Sänger Jón Þór „Jónsi“ Birgisson, quasi gezwungen diese Platte als Trio einzuspielen, was meines Erachtens mehr als bestens funktioniert hat. Ich hatte das Glück, mir diese Band 2013 gleich 2x anzuschauen und mich von ihren neuen Songs live zu überzeugen und ich möchte keine Minute dieser Shows missen. Für mich ist dieses Werk definitiv ein Highlight des bald endenden Jahres, an das ich mich sehr gerne zurückerinnere. Wer bisher mit dieser Band nichts anfangen konnte, sollte das spätestens nach dem diesem Release überdenken. (Tilo Kracht)

Ende letzten Jahres: Die Schinken Omi besucht Tocotronic im Studio und kündigt Ausschnitte aus dem neuen Album „Wir wir leben wollen“ an. Es klang nach Spass und Schunkeln. Ja ne, is' klar! Dann der erste Satz vom 'echten' Album: „Hey, ich bin jetzt alt.“ Das klingt ganz anders als Schinken Omis Ankündigung. Aber nach einer 20jährigen Bandgeschichte dürfen Tocotronic mit diesem Satz auch ein Album eröffnen. Und der Titel des Albums: „Wie wir leben wollen“. Dieser konnte implizit schon eine ganze Weile das Schaffen der Band beschreiben. Nun ist es explizit. Und stimmig ist es, das Werk der Bande um Dirk von Lowtzow, Jan Müller, Arne Zank und Rick McPhail. Musikalisch wie textlich klingt es wie aus einem Guss, dabei doch sehr abwechslungsreich, ohne dass jemals Langeweile aufkommt. Rick McPhails Gitarrenspiel ist nicht mehr ganz so präsent, sondern etwas in den Hintergrund gerückt und perfekt integriert. Das steht der Musik sehr gut. Die tiefe Stimme Dirk von Lowtzows dazu erzeugt eine überaus warme und tragende Stimmung. Und überhaupt, diese Mischung aus Musik und Text: Die passt! Textliche Gegensätze werden durch musikalische Gegensätze vertont. Die manchmal scheinbar sinnlosen Texte gehen zum Ende eines Songs perfekt auf, entschlüsseln ihr Rätsel. Auf diese Weise haben Tocotronic sich mit ihrem zehnten Album den Top-Platz in unserer Jahresliste wahrlich verdient! (Richard Redweik)